Prieštaringai vertinamos filmų scenos apima įvairias temas, įskaitant, bet neapsiribojant, smurtu, atviru seksualiniu turiniu, rasiniais stereotipais ir religinėmis šventvagystėmis. Šios scenos dažnai sukelia stiprias emocines žiūrovų ir kritikų reakcijas, todėl kyla diskusijos dėl jų meninės vertės ir etinių pasekmių. Svarbu paminėti, kad tai, kas viename kultūriniame ar socialiniame kontekste gali būti laikoma kontroversiška, kitame kontekste gali būti įprasta, o tai rodo subjektyvų kontroversiškumo pobūdį kine.
Vienas iš svarbiausių veiksnių, į kuriuos reikia atsižvelgti vertinant prieštaringas filmų scenas, yra meninė intencija ir kontekstas, kuriame jos pateikiamos. Filmų kūrėjai dažnai naudoja prieštaringą turinį kaip priemonę mesti iššūkį visuomenės normoms, provokuoti mąstyti ir diskutuoti bei parodyti žiaurią žmogiškosios patirties tikrovę. Pavyzdžiui, filme, kuriame vaizduojama vaizdinga karo scena, tai gali būti daroma siekiant perteikti konflikto žiaurumą ir nuniokojimą, o ne šlovinti smurtą. Norint įvertinti prieštaringų scenų poveikį ir reikšmę platesniame filmo pasakojime, labai svarbu suprasti jų meninį tikslą.
Prieštaringai vertinamos filmų scenos gali sukelti stiprią emocinę žiūrovų reakciją – nuo šoko ir diskomforto iki empatijos ir savianalizės. Šios scenos taip pat gali paveikti visuomenės požiūrį ir suvokimą, ypač kai kalbama apie tokius opius klausimus kaip lytis, rasė ir seksualumas. Pavyzdžiui, filmas, kuriame prieštaringai vaizduojama marginalizuota bendruomenė, gali įtvirtinti žalingus stereotipus arba, atvirkščiai, paneigti vyraujančius prietarus ir skatinti didesnį supratimą. Labai svarbu išnagrinėti platesnį prieštaringų scenų poveikį žiūrovams ir visuomenei, atsižvelgiant į galimą žalą ir naudą, kuri gali atsirasti dėl jų vaizdavimo.
Na, ir žinoma, filmų kūrėjams tenka didelė etinė atsakomybė į filmus įtraukiant kontroversiškas scenas. Jie turi kruopščiai pasverti meninę laisvę nagrinėti sudėtingas temas ir galimą žalą ar įžeidimą, kurį toks turinys gali sukelti. Tai reiškia, kad reikia apsvarstyti etines reprezentacijos, sutikimo ir žalingų stereotipų įtvirtinimo pasekmes. Be to, filmų kūrėjai turi atsižvelgti į galimą savo darbų poveikį pažeidžiamoms ar marginalizuotoms bendruomenėms, taip pat į platesnį kultūrinį ir socialinį kontekstą, kuriame priimami jų filmai. Rasti pusiausvyrą tarp meninės raiškos ir etinės atsakomybės – sudėtingas ir nuolatinis iššūkis filmų kūrėjams, todėl pristatome jums būtent tokių, kontraversiškai vertinamų filmų scenų dešimtuką.
10. „Nuostabioji moteris 1984“ (Wonder Woman 1984, 2020)
Itin sėkmingo filmo tęsinio diskusijos prasidėjo netrukus po pirmojo filmo išleidimo 2017 m. birželio mėn., o sprendimas tęsti buvo patvirtintas jau kitą mėnesį. Filmavimai vyko „Warner Bros. Studios“, Livsdene Anglijoje, taip pat Kolumbijos ir Šiaurės Virdžinijos apygardoje JAV, Londone ir Duksforde Anglijoje, Tenerifėje ir Kanarų salose ir Andalūzijoje (Ispanija) ir baigėsi 2018 m. gruodžio 22 d., po šešių mėnesių filmavimo. Papildomi filmavimai vyko 2019 m. liepos mėn.
Šiame filme persikeliame į devintąjį dešimtmetį, kai kitas Nuostabiosios moters nuotykis yra susijęs su nauja prieše: „Geparde“. Nuostabioji moteris, kuri taip pat yra žinoma kaip Diana Prince (vaidina Gal Gadot), yra nemirtinga pusdievė, Amazonės princesė ir karė. Diana yra Amazonės karalienės Hipolitos ir Olimpiečių dievų karaliaus Dzeuso dukra. 1984 metais, Šaltojo karo metu, Diana kovoja su dviem baisiais priešais – žiniasklaidos verslininku Maksvelu Lordu ir drauge, pavirtusią prieše Barbara Minerva, kitaip žinomą kaip „Geparde“.
Taigi, Nuostabioji moteris sugrįžo! Kol Diana stengėsi apsaugoti Svajonių akmenį ir grūmėsi su nauja piktadare „Geparde“, ji pati tapo jo vilionių auka. Ji troško, kad grįžtų jos meilė Stivas, ir tai jai buvo leista, tačiau morališkai neetišku būdu. Stivas grįžo kito gyvo žmogaus kūne, o tai reiškė, kad jo laisva valia buvo nuslopinta, kad atsirastų vietos Stivui.
Siužeto momentas, kuriame Stivas apsigyvena kito vyro, pavadinto „Gražuoliu“, kūne, buvo kritikuojamas, nes Stivas šį kūną pastato į pavojingas situacijas ir naudoja be sutikimo, įskaitant sceną, kurioje užsimenama, kad tarp Dianos ir Stivo galėjo būti lytinių santykių.
Viena aišku – Stivo Trevoro (vaidina Chrisas Pine’as) sugrįžimas iš numirusių yra keistas posūkis filme.
Juk 2017 m. filmo „Nuostabioji moteris” pabaigoje Stivas mirė, o antrojo filmo veiksmas vyksta beveik 70 metų po jo mirties, gerbėjai liko suglumę, kaip jis ne tik išgyveno mirtį, bet ir niekada nepaseno.
Taigi, tiek Stivas neturėjo prisikelti iš numirusių ir dar kitame kūne, tiek Diana čia prarado visą herojišką feminizmą, nes troško mirusio vyro, gavo jį kito vyro kūne, kas verčia susimąstyti ar jai tikrai reikėjo Stivo, ar tik vyro meilės?
Šis įvykis žiūrovams pasirodė kontroversiškas ir toks siaubingas dėl to, kad Nuostabiajai moteriai visiškai nerūpėjo šis žmogus, ji ėmė ir fiziškai suartėjo su vadinamu „Stivu“, o tai prieštaravo jos įprastai moralinei nuostatai. Dėl to ji atrodė labiau baisi, beviltiška nei romantiška.
9. „Šelmis-1. Žvaigždžių karų istorija“ (Rogue One: A Star Wars Story, 2016)
Aštuntasis kosminės odisėjos filmas „Šelmis-1. Žvaigždžių karų istorija“ pasakoja 1977-ųjų filmo „Žvaigždžių karai IV: nauja viltis“ priešistorę. Pagrindiniai siužeto įvykiai susiję su tuo, kaip sukilėliai ruošėsi pavogti „Mirties žvaigždę“, kad visatai sugrąžintų viltį. Sukilėlių komandai vadovauja Džyna Erso (akt. Felicity Jones) ir Kasijanas Andro (akt. Diego Luna).
Džyna yra naujų galingų ginklų projektuotojo Galeno Erso dukra, kurią sukilėliai išnaudoja siekdami savo pagrindinio tikslo: imperijos priešai nori, kad pagrobtasis Galenas nespėtų sukurti superginklo, galinčio vienu smūgiu sunaikinti visatą.
O kare kaip kare – visos priemonės pateisinamos. Todėl Džynos būrį sudaro vienas už kitą spalvingesni personažai, kuriuos pavadinti teisybės riteriais liežuvis neapsiverčia. (Gediminas Jankauskas)
„Šelmis-1. Žvaigždžių karų istorija“ yra vienas iš geresnių projektų, sukurtų „Disney“ eros „Žvaigždžių karų“ frančizės pelningiausių filmų laikotarpiu. Tačiau prieštaringai vertinami skaitmeniniai epizodai vis dar jį stabdo. 1994 m. miręs Peteris Cushingas sugrįžo kaip Didysis Moffas Tarkinas, o Carrie Fisher filme buvo pasendinta naudojant kompiuterinę technika (dar vadinama CGI).
Gražiai pasakius Cushingas ir Fisher atrodė neįtikėtinai, o jų epizodai sukėlė etinį nerimą. Sąmoningai ar ne, „Šelmis-1“ leido suprasti, kad filmo kūrybos studijoms neribotam laikui priklauso aktorių veidai ir balsai, todėl jie juos naudoja kada nori ir kur nori. Tai atvėrė duris panašiems aktorių, kurie nesutiko dalyvauti vėlesniuose „Žvaigždžių karų“ projektuose, „cameo“ (Cameo – trumpas, bet pastebimas vaidmuo, ypač filme, televizijos laidoje ar teatro spektaklyje, kurį paprastai atlieka garsus žmogus) pasirodymams, o tai dar labiau suteršė „Šelmis-1“ palikimą.
Filme tikrai daug kovos scenų ir nuostabaus dizaino, tačiau to nepakanka, kad mus sudomintų pirmieji du trečdaliai filmo. Dalis problemos slypi ir investicijų į filmo veikėjus trūkumas. Kita problema kyla dėl apibrėžtumo trūkumo. Šis filmas net nežino, kuo bando būti… na bet tai mažesnės problemos…
Filmo kūrėjas Garethas Edwardsas daugiausiai buvo kaltinamas dėl to, kad paveldėtiems personažams, pavyzdžiui, Didžiajam Moffui Tarkinui, atkurti naudojo CGI, tai pagrindinis žiūrovų nusiskundimas dėl filmo.
8. „Šių dienų Apokalipsė. Sugrįžimas“ (Apocalypse Now, 1979)
Tai pats karo Vietname įkarštis, o JAV kariuomenės kapitoną Vilardą pulkininkas Lukasas ir generolas siunčia vykdyti misijos, kurios oficialiai „nėra ir niekada nebus“. Misija tokia: Vilardas turi surasti paslaptingą žaliųjų berečių pulkininką Walterį Kurtzą, kurio kariuomenė peržengė Kambodžos sieną ir vykdo smogiamąsias misijas prieš Vietkongą ir NVA. Kariuomenė mano, kad Kurtzas visiškai išprotėjo, o Vilardo užduotis – jį sunaikinti. JAV karinio jūrų laivyno patruliniu laivu pasiųstas per Nungu, Vilardas sužino, kad jo taikinys yra vienas labiausiai apdovanotų JAV kariuomenės karininkų.
Jo įgula susitinka su banglentininku pulkininku leitenantu Kilgore’u, JAV kariuomenės sraigtasparnių kavalerijos grupės, kuri likviduoja Vietkongo forpostą, kad būtų galima patekti į Nungu upę, vadovu. Po kelių plaukus stingdančių susidūrimų, per kuriuos dalis įgulos narių žūsta, Vilardas, Lensas ir virėjas pasiekia pulkininko Kurtzo postą už Do Lung tilto. Ar dabar, tapę Kurtzo belaisviais, Vilardas ir kiti sugebės įvykdyti savo misiją?
Filmuojant juostą sąlygos Filipinuose buvo absoliučiai varginančios, nes ekstremalus oras naikino filmavimo aikšteles ir privertė studiją išleisti per daug pinigų. Marlonas Brando ir Francis Fordas Kopola dažnai nesutardavo, nes M. Brando pamiršdavo savo žodžius. Be to, filmuojant filmą M. Brando priaugo daug svorio, todėl F. Kopola galvojo jį atleisti. Vyšnia ant torto buvo tai, kad Martinas Šinas filmavimo metu patyrė infarktą, bet, laimei, pasveiko.
Kai kurie kritikai turėjo abejonių dėl migloto filmo pasakojimo, kuris yra 1899 m. Josepho Conrado novelės „Tamsos širdis“ perdirbinys apie Vietnamo karą. Kiti gyrė juostą kaip epinę poemą, užmaskuotą kaip veiksmo filmą.
Dėl to, kad filme be gailesčio vaizduojami Vietnamo karo baisumai ir chaosas, daugumai žmonių „Šių dienų Apokalipsė. Sugrįžimas“ yra vienas geriausių filmų apie Vietnamo karą, tačiau finale filmo žiaurumas tapo pernelyg realus. Per šventę pulkininko Kurtzo gyvenvietėje aktoriai iš tikrųjų nužudė buivolą.
Kopolos žmona Eleonora pirmoji atkreipė dėmesį į ritualinį vandens buivolų skerdimą vietinėje Ifugao gentyje. Prireikė šiek tiek įtikinėjimo, kad jos vyras tai pamatytų, bet kai jis tai pamatė savo akimis, suprato, kad tai turi būti įtraukta į filmo kulminaciją, lygiagrečiai su tuo, kaip Sheeno Willardas nužudo Brando Kurtzo personažą. Natūralu, kad gyvūnų teisių gynimo grupės buvo pasibaisėjusios dėl realaus smurto, kurį Kapola perkėlė į didįjį ekraną. Amerikos humaniškumo asociacija (AHA), suteikianti filmams sertifikatą „Kuriant šį filmą gyvūnai nenukentėjo“, „Šių dienų Apokalipsė. Sugrįžimas“ skyrė „nepriimtiną“ įvertinimą už sceną, kurioje vandens buivolas buvo „sukapotas į gabalus“ mačete.
Režisierius Francis Fordas Kopola gynė save ir peikė gyvūnų aukojimą sakydamas, kad jis tiesiog nufilmavo, kaip filipiniečių čiabuviai iš tikrųjų aukojo gyvūnus, nes pas juos taip priimtina. Dėl šios liūdnai pagarsėjusios žiaurios scenos filmo negalėjo žiūrėti visi, kurie rimtai žiūri į gyvūnų teises arba tiesiog nėra pripratę prie realiai užfiksuoto smurto.
7. „Paskutinis namas kairėje“ (The Last House On The Left, 1972)
„Paskutinis namas kairėje“ – 1972 m. siaubo filmas, kurį parašė ir režisavo debiutuojantis Wesas Cravenas, o prodiusavo Seanas S. Cunninghamas. Filme vaidina Sandra Peabody, Lucy Grantham, Davidas Hessas, Fredas J. Lincolnas, Jeramie Rain ir Marcas Sheffleris. Be to, antraplanį vaidmenį atlieka Martinas Kove. Filmo siužetas pasakoja apie Mari Kolingvud (akt. Peabody), paauglę, kurią per jos septynioliktąjį gimtadienį pagrobia, išprievartauja ir kankina žiaurių bėglių šeima, vadovaujama Krugo Stillo (akt. Hessas). Kai jos tėvai sužino, kas jai nutiko, jie siekia atkeršyti šeimai, kuri prisiglaudė jų namuose.
Cravenas jį sukūrė pagal 1960 m. švedų režisieriaus Ingmaro Bergmano filmą „Mergelės pavasaris“ (angl. The Virgin Spring), kuris savo ruožtu yra švedų baladės „Töres döttrar i Wänge“ adaptacija. Iš pradžių Cravenas rašė „Paskutinį namą kairėje“ kaip vaizdingą pornografijos filmą, bet nusprendė jį perrašyti kaip žiaurų siaubo filmą. Cunninghamas filmą prodiusavo už 90 tūkstančių JAV dolerių ir pasitelkė palyginti nežinomų aktorių būrį.
Filmas „Paskutinis namas kairėje“ geriausiai žinomas dėl to, kad pradėjo „Košmaras Guobų gatvėje“ kūrėjo Weso Craveno karjerą ir yra vienas geriausių eksploatacijos kino pavyzdžių. Jo brutalumas buvo sveikinamas kaip papildantis nihilistinį žmogaus sugedimo ir keršto ciklo tyrimą. Vis dėlto ne visi pritarė šiai nuomonei.
Pirmajame filmo „Paskutinis namas kairėje“ veiksme Mari ir Phyllis patyrė tiek pažeminimų ir smurto, kad juosta pasirodė vojeristiška. 1974 m. Didžiosios Britanijos kino cenzorių taryba atsisakė išduoti „Paskutinio namo kairėje“ filmo sertifikatą dėl atvirų ir sadistinių seksualinio smurto ir pažeminimo scenų.
Filme tikrai apstu labai tikroviškai atrodančio žiauraus ir kruvino smurto, keiksmažodžių, kurie gali įžeisti tėvus, suaugusiuosius ir sužaloti jį žiūrėjusių vaikų psichiką. Tai filmas, kurį tikrai reikia pasiruošti žiūrėti.
Kadangi, filmas buvo laikomas tokiu atgrasiu, jis buvo uždraustas daugelyje šalių, įskaitant Jungtinę Karalystę ir Australiją. Nepaisant laukinės istorijos ir vaizdingo smurto, filmo pradžioje esančioje titrų kortelėje teigiama, kad filmas paremtas tikra istorija. Ši juosta 2009 metais sulaukė to paties pavadinimo perdirbinio, kurį surežisavo Dennis Iliadis.
6. „Pusryčiai pas Tifani“ (Breakfast At Tiffany’s, 1961)
Filme matome Holly Golightly, elegantiška Aukštutinio Istsaido visuomenininkę, leidžiančią laiką tarp pašėlusių vakarėlių ir paslaptingų išvykų į Sing Sing, kuri yra įsitikinusi, kad ji jau viską matė ir darė. Tačiau jos gyvenimas netrukus komplikuosis. Tarsi bandymas rasti tapatybę dar nebūtų pakankamas iššūkis, nepriekaištingai apsirengusi laimės medžiotoja pasijunta netikėtai, kai jos naujuoju kaimynu tampa sunkiai besiverčiantis rašytojas Polas Varjakas. Tačiau Polas taip pat nėra atsparus lengvam Holės žavesiui.
Pamažu, kai gražuolis nuomininkas pasiduoda akimirkai, trokšdama pasidairyti po miestą vardan naujų įspūdžių, didingi ir švelnūs jausmai užplūsta nuo pasaulio pavargusią Polo širdį. Galų gale sužinome, kad neįkvėptas rašytojas ir nesustabdoma svajonių mergina yra skirti vienas kitam, nors tyliai stengiasi išsaugoti savo praeitį. Dabar stiprūs jausmai turi lemiamą žodį: meilėje nėra vietos išdidumui. O Niujorko šurmuliuojančioje Penktojoje aveniu pražysta romanas. Ar ankstyvi rytiniai pusryčiai pas Tifani gali tapti įžanga į svaiginantį meilės romaną?
Filmas „Pusryčiai pas Tifanį“, ko gero, buvo pati įtakingiausia romantinė komedija. Taip pat, pagrindinė aktorė, nuostabioji Audrey Hepburn tapo žinoma būtent dėl šio filmo ir iki šiol yra daugelio šiuolaikinių romantinių komedijų pavyzdys. Tačiau dauguma romantinių komedijų taip pat mokėsi iš jos klaidų, įskaitant nepamirštamai siaubingą Poną I. Y. Yunioshi.
Romantinė komedija yra problemiška dėl to, kad atspindi žalingas visuomenės nuostatas, kurios vyravo septintajame dešimtmetyje. Nors galime pripažinti, kad tai yra savo laikmečio produktas, beveik neįmanoma peržengti šių išankstinių nuostatų ribų, jei ir toliau šį filmą statysime ant pjedestalo.
Ponas I. I. Yunioshi buvo japonų personažas, kurį įkūnijo komikas Mikis Runis. M. Runis pasidarė karikatūrišką makiažą ir perdėjo blogiausius stereotipus, susijusius su azijiečiais į didįjį ekraną. Jo personažas paverčiamas komišku, tačiau komedija kuriama jo rasės sąskaita – jis kalba su stipriu akcentu ir naudoja perdėtą veido išraiškingumą. Tai rodo, kaip mažai Holivudas rūpinosi autentiškais „spalvotųjų“ portretais. Toks vaizdavimas ne tik sustiprina neigiamus stereotipus, bet ir dehumanizuoja, nes ponas Yunioshi tapo vienu rasistiškiausių filmų personažų istorijoje. Žinoma, kad Runis ir režisierius Blake’as Edwardsas dėl to apgailestavo.
5. „Eisas Ventūra: naminių gyvūnėlių detektyvas“ (Ace Ventura: Pet Detective, 1994)
Nuostabusis ir visų pamėgtas aktorius Jimas Carrey čia suvaidino ikoniškąjį Eisą Ventūrą. Jis žino, kad norint būti gyvūnų, augintinių detektyvu, reikia suprasti ir nusikaltėlius, ir gyvūnus. Eisas Ventūra žengia dar toliau… Jis elgiasi kaip nusikaltęs gyvūnas. Kai prieš pat Superkovą pavagiamas futbolo komandos talismanas (delfinas), Eisas Ventūra imasi bylos. Kas ir kodėl norėtų pavogti delfiną?
Dešimtajame dešimtmetyje Jimas Carrey atrodė nesustabdomas, o „Eisas Ventūra: naminių gyvūnėlių detektyvas“ padėjo pradėti jo komiko karjerą. Filmas iš esmės buvo gyvai suvaidintas animacinis filmas, kuriame Carrey būdingas šmaikštumas pasiekė aukščiausią lygį. Tačiau jo kvailumas atrodo daug tamsesnis, kai gerbėjai pripažįsta jo transfobiją.
Filme yra viena scena, kurioje Eisas su pasibjaurėjimu sureagavo į moterį, kai suprato, kad leitenantė Lois Einhorn yra translytė moteris. Dar blogiau, vėliau Eisas ją viešai demaskavo ir pažemino.
Viskas pablogėjo kai filmo leidėjas „New Vistas“ apibūdino ir iš esmės pateisino šį neigiamą įvaizdį: „…transseksuali veikėja buvo filmo piktadarė, o jos kūnas ir (arba) potraukis jai privertė veikėjus žiaukčioti.“ Taigi, vadinasi jeigu veikėja piktadarė galima elgtis kaip nori…
Carrey padėjo perrašyti scenarijų, o filmo kūrėjai leido jam improvizuoti filmavimo aikštelėje. Apie filmą Carrey sakė: „Žinojau, kad šis filmas arba bus kažkas, kas tikrai patiks žmonėms, arba mane visiškai sužlugdys. Nuo pat dalyvavimo pradžios sakiau, kad personažas turi būti rokenrolinis. Jis turėjo būti naminių gyvūnėlių detektyvų agentas 007. Norėjau būti nesustabdomai juokingas, ir jie leido man siautėti.“
Jis sakė, kad ieškojo komiškų momentų, kurie kai kam būtų nepatrauklūs: „Norėjau, kad veiksmas būtų nerealus ir perdėtas. Kai reikėjo parodyti savo reakciją į vyro bučinį, norėjau, kad tai būtų pati didžiausia, bjauriausia, homofobiškiausia kada nors užfiksuota reakcija. Ji tokia juokinga, kad į ją negalima žiūrėti rimtai – nors tai garantuoja, kad kas nors įsižeis“.
Tokį neatodairišką elgesį gal ir galima ginti, nes filmo kūrėjas Fergusas atsiprašė už savo transfobiją. Eisas Ventūra juostoje translyčius žmones paprasčiausiai laikė juokdariais, kurie nusipelno tos pajuokos. Tai nepateisinama, tačiau tokia buvo ta filmo idėja.
4. „Esminis instinktas“ (Basic Instinct, 1992)
Pagrindinis filmo herojus policijos detektyvas Nikas Kuranas (Michaelas Douglas), San Franciske tiriantis itin žiaurios žmogžudystės bylą, įtaria nužudytojo buvusio muzikanto draugę, šokiruojančių romanų autorę, kuri visai neseniai savo knygoje detaliai aprašė analogišką nusikaltimą – kai seksualinių santykių metu blondinė nužudo meilužį peiliu, skirtu trupinti ledą.
Nikas galvoja, kad nužudyti galėjusi pati Ketrin Tramel arba kas nors, kas tokiu būdu nori ją „pakišti“. Apklausos metu mergina elgiasi įžūliai, provokuoja pareigūnus ir šaltakraujiškai atlaiko išbandymą melo detektoriumi. Be to, ji turi alibi. Tačiau pamažu ima atsiskleisti Ketrin praeities paslaptys, o į šį liūną neapdairiai įklimpęs Nikas tampa vis labiau priklausomas nuo Ketrin erotinių kaprizų ir jos primetamų seksualinių mazochistinių žaidimų.
Savo metu šis filmas šokiravo ne tiek atviromis erotinėmis scenomis, kiek ciniška pagrindinės herojės Ketrin Tramel (Sharon Stone) charakteristika: amorali ir biseksuali inteligentė, kriminalinių romanų autorė, visiškai laisva nuo bet kokių moralinių prietarų, lengvai manipuliuojanti savo meilužiais ir žudanti juos orgazmo akimirką peiliu, skirtu ledams trupinti. Taip prasidėjo fenomenali aktorės Sharon Stone sėkmė.
Šis vaidmuo išgąsdino daugelį Holivudo gražuolių. Viena po kitos vaidmens atsisakė Kim Basinger, Julia Roberts, Greta Scacchi, Meg Ryan, Michelle Pfeiffer, Geena Davis, Kathleen Turner, Ellen Barkin ir Mariel Hemingway. Ilgai režisierius įkalbinėjo ir Demi Moore. Visoms joms pasirodė, kad toks vaidmuo gali neigiamai atsiliepti jų reputacijai, o tuo pačiu metu ir karjerai.
Surizikavo tik Sharon Stone, kuriai, tiesą sakant, nebuvo ką prarasti, nes iki tol ji buvo tik graži nuotykių filmų puošmena, TV serialų statistė ar žavi blondinė šalia tokių supermenų, kaip Richardas Chamberlainas („Karaliaus Saliamono kasyklos“, 1985), Bradas Davisas („Šaltas kaip plienas“, 1987), Stevenas Seagalas („Niko“, 1988), Arnoldas Schwarzeneggeris („Viską prisiminti“, 1990).
Sharon Stone surizikavo, nes pasitikėjo režisieriumi, su kuriuo jau dirbo filmuojant „Viską prisiminti“. Nemenkas argumentas buvo ir 500 tūkstančių dolerių honoraras, kuris nebuvo toks jau milžiniškas palyginus su filmo biudžetu (49 mln. dol.). Michaelas Douglasas pasakojo taip pat įkalbinėjęs Sharon Stone imtis pagrindinio vaidmens. Tiesa, aktoriaus motyvai buvo šiek tiek savanaudiški. Jis bijojo vienas prisiimti atsakomybę: „Man reikia, kad kažkas pasidalytų šio filmo rizika“, – sakė jis. „Aš nenoriu būti vienas pats, kai į mus pasipils š*** fontanai“.
Dėl š*** fontanų Michaelas Douglasas būgštavo neveltui. Nereikėjo nė laukti premjeros. Dar San Franciske filmavimo darbus dažnai stabdė gėjų ir lesbiečių teisių gynėjai ir kitokie demonstrantai, miesto gatvėse kasdien budėdavo policijos būriai, tramdantys riaušininkus. Protestuotojai trukdė filmavimui taip pat keldami sąmyšį specialiai atsineštais lazeriais ir švilpukais. Vienas prodiuserių – Alanas Marshallas – asmeniškai policijos pareigūnams nurodinėjo, kuriuos protestuotojus reikia suimti. Dėl to kildavo tikras chaosas gatvėse, dėl kurio Alanas Marshallas galiausiai pats buvo areštuotas. Žodžiu, buvo linksma… (Gediminas Jankauskas)
Na ir nors šis filmas laikomas populiarinančiu erotinius trilerius 9-ajame dešimtmetyje, „Esminis instinktas“ geriausiai žinomas dėl Sharon Stone karjerą nulėmusio Ketrin Tramel vaidmens. Ketrin apklausos scenoje, kurios metu ji mirktelėjo tyrėjams, įamžino ją kaip legendinę femme fatale (Femme fatale – literatūrinis ir meninis archetipas: gundanti, žavinga moteris, pražudanti ją įsimylėjusius vyrus. Tradiciškai vaizduojama kaip labai graži, seksuali, tobula flirtuotoja, apgavikė, melagė, kartais turinti nepaprastų galių.). Tačiau, pasak Stone, ji čia buvo filmuojama be jos sutikimo.
Savo memuaruose ir įvairiuose interviu Stone kaltino režisierių Paulą Verhoeveną, kad šis be jos sutikimo įtraukė šią vaizdingą sceną į galutinį filmo variantą. Verhoevenas paneigė Stone teiginius. Turint tai omenyje, filmo žiūrėjimas tik dar labiau supriešina ir sujaukia žinomiausią filmo sceną.
3. „Švytėjimas“ (The Shining, 1980)
Jau pristatant filmą, garso takelis byloja, kad gero laukti neverta. Ir tikrai, ilgai laukti „siaubo“ netenka – dvynės šmėkliukės pasirodo visai netrukus.
Jei pažiūrėjus šį filmą, prie jūsų pribėgs mažas, mielas vaikiukas ir juokingu balseliu ims šnekėtis su savo pirštukais, jums gali kilti noras išsukinėti tuos pirščiukus ir pasileisti laukais.
Ausis rėžiantis garso takelis ir galvą suktis verčiantys vaizdai atneša beprotybę ir sumaištį tiesiai į jūsų namus.
„Švytėjimas“ ko gero pati populiariausia Stepfano Kingo (Stephan King) knyga. Stenlio Kubriko (Stanley Kubric) režisuotas filmas neatsilieka nuo knygos populiarumo. Dar vienas vyras prisidėjęs prie šio filmo sėkmės yra Džekas Nikolsonas (Jack Nicholson). Net jei nesate matę šio filmo, esu beveik tikra, jog jums puikiai pažįstamas vaizdas, kuomet Džekas Nikolsonas spraudžia savo galvą pro prakirstų durų tarpą.
„Švytėjimas“ paliko ryškią žymę pop kultūroje. Ši žymė atsirado daugmaž taip – darbo ieškantis rašytojas, gavo pasiūlymą gyventi viešbutyje su savo šeima. Ne šiaip sau gyventi, žinoma, o jį prižiūrėti ne sezono metu. Be abejo, rašytoją ši idėja sužavi, kadangi tuščiame viešbutyje jis galės skirti daug laiko savo kūrybai. Deja, greitai viešbutis prisipildo neprašytų svečių, o patį rašytoją kankina siaubingi košmarai kol galiausiai apima visiška beprotybė… (Raminta Česnaitė)
Filmo „Švytėjimas“ filmavimo metu tiek Džekui Nikolsonui, tiek Šelei Duvall buvo sunku, tačiau Š. Duvall patyrė išties traumuojančią patirtį. Režisierius Stenlis Kubrikas su ja elgėsi labai griežtai ir darė jai stiprų psichologinį spaudimą, kad privestų aktorę prie jos personažui reikalingos išsigandusios būsenos. Garsioje scenoje su beisbolo lazda Kubrikas nufilmavo 127 Š. Duvall kadrus, o tai iki šiol yra Gineso rekordas.
Po šios scenos Š. Duvall liko su perštinčia gerkle, nubrozdintomis sužeistomis rankomis ir stipria dehidratacija. Nepaisant viso to, Š. Duvall labai gerbė S. Kubricką, o po patirtos šauksmų terapijos ji jautėsi taip, tarsi nuo jos būtų nukritęs didelis svoris. D. Nikolsonui sekėsi kur kas geriau nei Š. Duvall, jo problema buvo ta, kad jis mažai miegojo. Jis miegojo tik automobilyje, kuriuo važiavo iš viešbučio į filmavimo vietą.
Stanley Kubricko sukurta Stepheno Kingo romano „Švytėjimas“ adaptacija laikoma vienu geriausių kada nors sukurtų siaubo filmų. Iš dalies už savo puikią reputaciją jis turi būti dėkingas galingai aktorių vaidybai. Tačiau net ištikimiausi filmo gerbėjai abejoja jo palikimu dėl to, kaip Kubrikas elgėsi su aktoriais.
Vendė Torensė, besiginanti nuo Džeko beisbolo lazda, beveik visada minima kaip pavyzdys, kaip siaubas persikelia į realų pasaulį. Kaip jau minėjome Duvall čia nevaidino, ji iš tiesų buvo išsekusi ir beviltiška po 127 varginančių filmavimų. Aktorių ir komandos pasakojimai apie tai, kad Kubrikas žiauriai priekabiavo prie Duvall, kad ji įsijaustų į vaidmenį, sugriovė šią sceną, jos veiksmingumą ir „Švytėjimo“ reputaciją.
2. „Paukščiai“ (The Birds, 1963)
Kai ketvirtojo dešimtmečio pabaigoje A. Hitchcockas tapo bene garsiausiu kino režisieriumi Didžiojoje Britanijoje, juo susidomėjo Holivudo magnatai ir pakvietė dirbti į Ameriką. Jau pirmasis čia sukurtas jo filmas „Rebeka“ (1940 m.) gavo Oskarą kaip geriausia metų drama, o aktorė Joan Fontaine joje sukūrė vieną įspūdingiausių savo karjeroje vaidmenų. Tai buvo pirmoji režisieriaus biografijoje mistinių siaubo romanų autorės Daphne Du Maurier ekranizacija. Dar sykį jos knygą savo filmo siužetui A. Hitchcockas pasirinko 1963-aisiais, kai kūrė savo garsiuosius „Paukščius“.
Filmas prasideda San Francisko gatvėje, kai eidama į gyvūnų parduotuvę elegantiška pasiturinti moteris Melani Daniels pastebi danguje didelį grėsmingai ratus sukančių ir klykiančių paukščių būrį. Tamsūs įpykusių paukščių siluetai šmėžavo ekrane visomis kryptimis ir rodant pradinius titrus. Tokie grėsmingi kontrapunktai jau suformavo tinkamą nerimo atmosferą dar prieš prasidedant pačiam siužetui. Šį kartą A. Hitchcockas visiškai atsisakė muzikos (tik viename epizode vaikai dainuoja mokykloje), visas dvi valandas maksimaliai išnaudojęs garsų teikiamas galimybes, o ištikimas bendradarbis kompozitorius Bernardas Herrmannas titruose pavadintas garso konsultantu (jis iš tikrųjų dirbo su garsais, eksperimentuodamas tada dar su labai nauju išradimu – mixtrautonium‘u – prietaisu, skirtu garsų mikširavimui.
San Francisko gyvūnų parduotuvėje Melani (akt. Tippi Hedren) atsitiktinai susipažįsta su jai iš pirmo žvilgsnio patikusiu teisininku Miču Breneriu (Rodas Tayloras) ir netrukus paskui jį vyksta į pamario miestelį Bodega Gėj, kuriame Mičas su valdinga motina ir seserimi leidžia savaitgalius. Iš pažiūros ramus kurortinis miestelis atvykėlę pasitinka labai nesvetingai: jau pirmąją dieną dar nespėjusią išlipti iš valties moterį čia užpuola pikta žuvėdra. Vėliau agresyvių paukščių išpuoliai tampa dažnesni, sparnuočiai elgiasi vis įžūliau (puldinėja iš mokyklos grįžtančius vaikus, net sukelia sprogimą degalinėje). Kodėl paukščiai pasiuto ir paskelbė žmonėms karą? Aiškaus atsakymo taip ir nesulauksime, užtai galimų versijų – per akis. Baigiamas filmas pagrindinių herojų pabėgimu iš paukščių terorizuojamos teritorijos. Kas bus toliau, galima tik spėlioti. (Gediminas Jankauskas)
„Paukščiai“ yra vienas labiausiai neįvertintų Alfredo Hitchcockoko trilerių. Daugelis kritikų gyrė tai, kaip Hitchcockas paprastą ir net juokingą idėją apie žmones puolančius paukščius pavertė košmaru. Deja, Tippi Hedren siaubas buvo pernelyg realus. Priešpaskutinėje miegamojo scenoje ją iš tiesų sužeidė agresyvūs paukščiai.
Pasak Hedren, kitų žvaigždžių ir komandos narių, filmo kūrėjas netgi priekabiavo prie Hedren ir ją užpuolė. Kai ji jam paprieštaravo, jis tariamai atkeršijo ir miegamojo užpuolimo metu pakeitė paukščius tikrais. Po to Hitchcockas faktiškai sužlugdė Hedren karjerą dėl nesąžiningos sutarties, sugriovė savo reputaciją bei filmą „Paukščiai“.
1. „Paskutinis tango Paryžiuje“ (Last Tango In Paris, 1972)
Dešimtmečius Bernardo Bertolucci 1972 m. filmas „Paskutinis tango Paryžiuje“ buvo vertinamas kaip provokuojantis, novatoriškas ir įrodantis jo genialumą. Jame vaidina Marlonas Brando kaip 40-metis našlys Paulas, užmezgęs romaną su dvidešimtmete Žana, kurią vaidina Marija Schneider.
Filme, ieškodama buto, graži jauna paryžietė Žana sutinka Polą, paslaptingą amerikietį emigrantą, gedintį neseniai nusižudžiusios žmonos. Akimirksniu susižavėję vienas kitu, jie užmezga audringą, aistringą romaną, kurio metu vienas kitam neatskleidžia savo vardų. Jų santykiai stipriai paveikia jų gyvenimus, nes Polas kovoja su žmonos mirtimi, o Žana ruošiasi ištekėti už savo sužadėtinio Tomo, kino režisieriaus, kuriančio apie ją dokumentinį filmą.
Vienoje scenoje Paulas prievartauja Žaną. Iš pradžių ši scena niekam neužkliuvo. Bet galiausiai tai tapo blogai pagarsėjusia scena, iš dalies dėl to, kad paaiškėjo, kad filmavimo aikštelėje Schneider jautėsi taip pat užpulta kaip ir jos personažas.
„Paskutinio tango Paryžiuje“ režisierius Bernardo Bertolucci prisipažino, kad jis ir Marlonas Brando susimokė prieš aktorę Marija Schneider filmuojant išprievartavimo sceną, kuomet vietoje lubrikanto buvo naudojamas sviestas.
2006 m. interviu metu Schneider pasakė, kad scena nebuvo pagal originalų scenarijų, o liūdnai pagarsėjęs sviestas buvo Brando idėja. Apie tą elementą ji sužinojo tik prieš pat scenos filmavimą ir ji buvo įsiutusi. Ji pasakė: „Niekas negali priversti kažko daryti kas yra ne scenarijuje. Bet aš to nežinojau. Buvau per jauna… Tos scenos metu verkiau tikromis ašaromis. Jaučiau pažeminimą.“ (Interviu metu, Bertolucci prisimena kaip vyko visa scena tarp Brando, kuriam tuo metu buvo 48 m., ir Schneider, kuriai buvo 19 m.)
Prieš mirtį, Schneider prakalbo apie šią sceną interviu su „Daily Mail“ metu ir sakė, „tiesą sakant, jaučiausi šiek tiek išprievartauta tiek Marlono tiek Bertolucci. Po filmavimo Marlonas manęs neatsiprašė. Ačiū Dievui filmavimas buvo tik vienas.“
Brando jau buvo miręs 2006 m., tačiau 2013 m. Bertolucci prisipažino iš anksto nepasakęs Shneider apie sviestą, nes norėjo sukelti natūralesnį atsaką. Jis teigė nesigailintis šio sprendimo, tačiau su aktore, kuri mirė 2011, daugiau nebesusitiko, nes aktorė jo nekentė už tai ką jis padarė.
Žinomas Lietuvos kino apžvalgininkas besislepiantis po pseudonimu Telemanas taip pakomentavo šią žinią:
„Apsivalyti reikia. Kaip kad lietuviai po truputį pradeda kolaborantus nebevadinti geriausiais poetais ar kūrėjais istorijoje, taip ir Holivudas pagaliau ištraukia didžiausias šlykštynes į paviršių.
Marlono Brando garbinimas visad buvo slidus reikalas, nes jo, buvo žiauriai faina, kai jis su visais elgdavosi kaip paskutinis šiknius ir neišmokdavo savo dialogų, nu nes galiausiai vis tiek jis buvo nuostabus aktorius. O dabar gi paaiškėjo, kad jis su Bernardo Bertolucci neįspėjo aktorės apie prievartavimo sceną, ir dabar jiedu susilaukia būtent tokios reakcijos, kokios ir turėtų susilaukti.
Jiedu yra atmatos, kokių reta, ir kuo greičiau visi tai pripažins, tuo visiems bus lengviau judėt į priekį.“
