Kino pasaulyje yra daug pripažintų, garsių aktorių, kurie išbandė savo jėgas režisūros srityje, ir dažnai labai sėkmingai. Nors kai kurie tokie režisūriniai darbai sulaukia visuotinio pripažinimo ir įvertinimo, yra ir daug nepakankamai įvertintų garsių aktorių režisuotų filmų, kurie be jokių išlygų nusipelno daugiau dėmesio. Galbūt šie filmai nesulaukė tokios komercinės sėkmės ar kritikų pripažinimo kaip kai kurie jų kolegos, tačiau jie vis dėlto atskleidžia režisieriaus talentą ir kūrybiškumą, todėl šiandien nagrinėsime nepakankamai įvertintus filmus, kuriuos režisavo mums gerai žinomi aktoriai.
Prieš pradedant nagrinėti konkrečius nepakankamai įvertintų filmų, kuriuos režisavo garsūs aktoriai, pavyzdžius, svarbu trumpai apžvelgti aktorių perėjimo prie režisūros reiškinį. Daugelis aktorių, vedami noro praplėsti savo kūrybinį akiratį ir išreikšti save naujais būdais, ėmėsi režisūros. Šis perėjimas leidžia jiems atsidurti už kameros ir formuoti pasakojimą iš kito taško, į režisieriaus kėdę įnešant savo unikalių įžvalgų ir patirties. Aktoriai, pelnę pripažinimą už savo pasirodymus ekrane, dažnai puikiai supranta pasakojimą, personažų kūrimą ir vizualinę kalbą, o visa tai naudinga jų režisūriniam požiūriui. Todėl pradėję režisuoti jie gali sukurti įvairių filmų, atspindinčių jų individualų meninį jautrumą ir teminius interesus.
Nagrinėdami nepakankamai įvertintų režisūrinių darbų savybes ir poveikį, geriau vertiname pripažintų aktorių, kurie praplėtė savo kūrybinį akiratį, meninę drąsą ir viziją. Šie filmai galbūt nepasiekė tokios pat komercinės sėkmės ar kritikų pripažinimo kaip kai kurie jų kolegos, tačiau jie vis tiek palieka neišdildomą įspūdį tiems, kurie susiduria su jų pasakojimais. Švęsdami nepakankamai įvertintus aktorių režisuotus filmus, pagerbiame pasakojimo gilumą ir įvairovę kino srityje, pripažindami šių režisūrinių perlų išliekamąjį palikimą.
10. „Rosewater“ (2014)
Džono Stewarto (Jon Stewart) subversyvus ir kūrybingas humoro jausmas pavertė „The Daily Show“ Amerikos kultūros ašimi. D. Stewartas rado būdų, kaip pašiepti abi politinio spektro puses, ir dažnai pateikdavo daugiau įžvalgų nei tradicinėse naujienų laidose. Šie įgūdžiai paruošė Stewartą įspūdingam režisūriniam debiutui „Rosewater“, kuriame Gaelis Garcia Bernalas suvaidino Irano ir Kanados žurnalistą Maziarą Bahari, įkalintą Artimuosiuose Rytuose už aktyvios politinės revoliucijos filmavimą.
Bernalo vaidyba – įkvepianti duoklė visiems, kurie kada nors rizikavo savo gyvybe dėl tiesos. Filmas parodo, kad gera žurnalistika yra svarbi, net jei ji kainuoja daug asmeninių aukų. Po prologo, kuriame parodomas Bahario suėmimas, per pirmąsias 40 filmo minučių aprašoma, kas prie to privedė. Londone Baharis palieka savo partnerę Paolą (akt. Claire Foy), kuri laukiasi jų pirmagimio, ir išvyksta į trumpą kelionę į Iraną, kur, kaip abu tikisi, vyks nušviesti rinkimų. Teherane žmonės karštligiškai jaudinasi dėl varžybų, kuriose griežtosios linijos prezidentas Mahmudas Ahmadinedžadas varžosi su populiariu reformistų varžovu Miru Hosseinu Mousaviu.
Bahari pastebi, kad Mousavį labai remia jauni, išsilavinę ir miestų gyventojai, o Ahmadinedžadas ne tik labiau patrauklus neturtingiems ir neišsilavinusiems žmonėms, bet ir sustiprino savo paramą didžiulėmis vyriausybės išmokomis. Nors Mousavis pirmauja apklausose, kelia grėsmingų ženklų keliuose frontuose. Patekus į liūdnai pagarsėjusį Evino kalėjimą Teherane ir griežtai kontroliuojant Rosewateriui, tampa aišku, kad Bahario laukia sunkus išbandymas. Jo tardytojui duoti įsakymai: jis turi pasiekti, kad žurnalistas prisipažintų dirbęs užsienio žvalgybos tarnyboms, ir apkaltinti kitus asmenis tuo pačiu.
Nors Bahario pasakojimu, jis buvo nuolat mušamas (jo veidas buvo išsaugotas, nes pagrobėjai žinojo, kad nori jį užfiksuoti), Stewartas sumenkina fizinį smurtą ir sutelkia dėmesį į psichologinį spaudimą, kuris, net šacho laikais, Irano tardytojų žiniomis, veiksmingiau palaužia aukas.
Tam tikra prasme Maziaras iš tikrųjų galės grįžti namo, kai išsilaisvins iš tėvo didvyrio įvaizdžio, nepaisant didžiulio tarptautinio pasipiktinimo, kuris padėjo jį išlaisvinti. Kitaip nei tėvas, jis nėra pasirengęs visko paaukoti dėl abstraktaus idealo. Jo pergalė bus grįžti pas žmoną ir dukrą – ir likti gyvam, kad galėtų apie tai papasakoti. Tai tikrai nuostabus politinis režisūrinis kūrinys. Aplodismentai Džonui Stewartui.
9. „Dovana“ (The Gift, 2015)
Dovana – 2015 m. psichologinis trileris, kurį režisavo Joelis Edgertonas. Filme vaidina Jasonas Batemanas, Rebecca Hall ir Joelis Edgertonas. Filmo siužeto centre – Simonas (Batemanas) ir Robin (Hall), sutuoktinių pora, kuri dėl Simono darbo persikelia į naują miestą. Jie susitinka su senu Simono draugu Gordo (Edgertonas), kuris pradeda siųsti jiems dovanas ir vis labiau juos apsėda.
Stipriausia filmo pusė – gerai apgalvotas pasakojimas, kuris visą laiką prikausto žiūrovus laiko. Įtampa kuriama palaipsniui ir meistriškai, o siužeto vingiai priverčia žiūrovus spėlioti, kas nutiks, iki pat pabaigos. Kinematografija bei garso takelis, taip pat prisideda prie filmo slogios nuotaikos, keliančios baimę ir paranoją.
Pagrindiniai aktoriai atlieka puikius vaidmenis, ypač Džeisonas Batemanas (Jason Bateman), atliekantis emocingą vaidmenį. Jis vaidina Simoną, žavų ir savimi pasitikintį vyrą, kuris filmo eigoje tampa vis labiau pažeidžiamas ir pamišęs. Robin vaidinanti Rebeka Holė (Rebecca Hall) taip pat puiki aktorė, išreiškianti trapumo ir pažeidžiamumo jausmą, todėl jos personažas yra simpatiškas ir lengvai suprantamas.
Tačiau filme labiausiai išsiskiria Džoelio Edžertono (Joel Edgerton) Gordo vaidmuo. Jis įkūnija personažą, kuris yra ne tik simpatiškas, bet ir pavojingas, o jo vaidyba leidžia žiūrovams spėlioti apie tikruosius jo motyvus. Joelis Edgertonas yra labai neįvertintas aktorius, kuris daugelį metų vaidino puikius antraplanius vaidmenis. Nors Edgertonas dažnai buvo puikus, jis retai gaudavo progą suvaidinti sultingą vaidmenį, į kurį galėtų įsijausti. Norėdamas išspręsti šią problemą, Edgertonas savo režisūriniame debiute „Dovana“ atliko pagrindinio antagonisto vaidmenį. Filmas ne tik suteikė jam geriausią vaidmenį per daugelį metų, bet ir atskleidė, kad Edgertonas gali kurti tamsius, bjaurius trilerius, peržengiančius gero skonio ribas. Edgertono mįslingo nepažįstamojo Gordo vaidmuo stingdo.
Apskritai, „Dovana“ yra įtemptas trileris, kuris prikaustys žiūrovus prie kėdžių krašto. Jis pasižymi puikiais pagrindinių aktorių vaidmenimis ir intriguojančiu siužetu, kuris privers žiūrovus susimąstyti iki pat pabaigos. Jei mėgstate psichologinius trilerius, filmą „Dovana“ būtina pamatyti.
8. „Blaze“ (2018)
Filmo kūrėjo Ethano Hawke’o filme „Blaze“ lietus nesistengia kristi, jis tiesiog krenta ir „Kad ir kur eičiau, tai ta pati vieta, kurioje jau buvau“. Akivaizdu, kad „Oskarui“ nominuotas aktorius, scenaristas ir režisierius, įkvėptas savo darbo kuriant nepakankamai įvertintą filmą „Born to be Blue“, sukūrė filmą, kuris bando perteikti savo subjekto dvasią ne tik per jo gyvenimo chronologiją, bet ir per jo kūrybą atspindinčią struktūrą. Geriausia, kad „Blaze“ yra ne tik Blaze’o Foley gyvenimo, bet ir jo muzikos kinematografinis vertimas, kurį įtvirtina du neįtikėtinai simpatiški, išgyventi aktoriai. Nuo pat filmo pradžios iki pat filmo pabaigos norisi klausytis beveik nieko kito, tik Blaze’o, ir tai yra didelis komplimentas tam, kaip šis filmas perteikia savo subjekto genialumą.
„Blaze“ tikrai nepakankamai įvertintas puikaus Ethano Hawke’o režisūrinis darbas. Be puikių vaidmenų, Hawke’as taip pat yra rašytojas, režisierius, scenos atlikėjas, dokumentinių filmų kūrėjas ir muzikantas. Hawke’as dažnai atkreipia dėmesį į menkai atstovaujamus menininkus, kurie niekada nesulaukė tokio pripažinimo, kokio nusipelnė per savo gyvenimą. Filme „Blaze“ jo tema – kantri muzikos legenda Blaze Foley, tragiškai žuvęs 1979 m.
Jei nežinote Blaze’o Foley (filme jį vaidina Benas Dickey) vardo, esate ne vienas. Jis buvo tarsi amžininkas tokių žmonių kaip Merle Haggardas, Willie Nelsonas (kuris įrašė vieną iš jo dainų) ir ypač genialaus Towneso van Zandto, kuris iš tikrųjų buvo jo draugas ir bendradarbis. Foley turėjo keletą nedidelių hitų, kurie akivaizdžiai įkvėpė dabartinius alt-country atlikėjus, tačiau iš esmės jis atitiko tai, ką sako Hawke’o filme: „Aš nenoriu būti žvaigžde, aš noriu būti legenda.“ Jis niekada nebuvo tikra žvaigždė, bet buvo legenda žmonėms, kurie jį mylėjo.
Hawke’as išmintingai išvengia daugelio biografinių spąstų, galinčių paskandinti bet kokią šalies dainininko istoriją, laikydamasis trijų pagrindinių siužetinių linijų trimis skirtingais istorijos momentais. Vienas iš pagrindinių „Blaze“ rėmų – radijo interviu, kurį duoda Van Zandtas (akt. Charlie Sexton) ir vienas geriausių Foley draugų ir bendradarbių Zee (akt. Josh Hamilton). Tai leidžia abiem vyrams prisiminti apie Foley, retkarčiais paskatinant pašnekovui, kurį įgarsina pats Hawke’as. Filme taip pat nuolat grįžtama prie paskutinės Foley gyvenimo nakties, per kurią jis įrašė gyvo garso albumą viename aptriušusiame Ostino bare. Ši Foley vizija – storesnis, girtesnis, liūdnesnis – kontrastuoja su jo santykiais su Sibile Rosen (akt. Alia Shawkat), kurią jaunesnis Foley prieš daugelį metų sutiko menininkų bendruomenėje. Sibilė buvo Blaze’o mūza, įkvėpusi daugelį jo muzikos kūrinių ir paskatinusi jį persikelti į Ostiną ir tapti dainininku. Žinoma, Foley gastrolės ir girtavimas išardys jo santykius, tačiau „Blaze“ esmė tebėra ta dinamika, kai vienas žmogus padeda atskleisti kito menines dimensijas.
Hawke’o supratimas apie Ostino kūrybinę sceną ir jo talentas dirbti su atlikėjais buvo lengvai nuspėjamas, turint omenyje jo patirtį, tačiau labiausiai tikėtina, kad „Blaze“ į atmintį jum įstrigs dėl vaizdų. Tai vizualiai pritrenkiantis filmas, nesvarbu, ar tai būtų kadras, kuriame Blaze’as Foley per savo paskutinį pasirodymą raudonai apšviestas vėliavos fone, ar širdį veriantis vaizdas, kai mirštantis tėvas girdi dainuojančius savo vaikus. Hawke’as aiškiai perkėlė emocijas, kylančias jo viduje klausantis Blaze’o Foley muzikos, į kažką vizualaus ir kinematografinio, kartu išvengdamas įprastų žanro klišių.
7. „Kerštas“ (Vengeance, 2022)
„Kerštas“ skamba kaip veiksmo trilerio pavadinimas. Tokio pavadinimo filmų būta ir anksčiau. Tačiau nors filme „Kerštas“ – pirmajame scenaristo, režisieriaus ir žvaigždės B. J. Novako, vieno iš amerikietiško serialo „Biuras“ žvaigždžių ir scenarijaus bendraautorių, – kalbama apie kerštą, jis turi daug daugiau minčių.
Kai kurie režisieriai, debiutuodami kaip režisieriai, pasinaudoja proga parodyti kitą savo asmenybės pusę. Nors B. J. Novakas geriausiai žinomas dėl savo Ryano vaidmens seriale „Biuras“, jo debiutinis pilnametražis filmas „Kerštas“ yra tamsi satyra apie tikrų nusikaltimų maniją. Filme keliamas klausimas apie žurnalistų atsakomybę savo objektams ir keliamas klausimas, kaip pašalinis žmogus kada nors gali atnešti teisingumą neišspręstoje byloje.
Filme, Benas (vaidina pats Novakas) neturi merginos vardu Ebė. Jis – mergišius, kuris susitikinėja su daugybe moterų. Tačiau greitas jo telefono patikrinimas patvirtina, kad jis iš tiesų kelis kartus mylėjosi su pradedančiąja dainininke vardu Ebė (akt. Lio Tipton), o paskui ją pamiršo. Kažkokiu būdu jis leidžiasi įkalbamas nuvykti į Ebės gimtąjį miestą, dalyvauti jos laidotuvėse ir pabendrauti su gedinčia šeima, kurioje taip pat yra jos jaunesnės seserys, jaunesnysis brolis ir motina Sharon (akt. J. Smith-Cameron). Tuomet sutiktasis Ty papasakoja Benui, kad Ebė buvo nužudyta, tikriausiai meksikiečių narkotikų prekeivio Sančolo (akt. Zachas Villa), ir klausia, ar jis padės šeimai ieškoti, na, žinote patys…
Benas yra narcizas, kuris, regis, į kiekvieną santykį ir patirtį žiūri kaip į būdą pakelti savo, kaip rašytojo ir kvazižvaigždės, statusą, todėl iš pradžių atrodo neįtikėtina, kad jis keliaus į Teksasą dalyvauti moters, kurios iš tikrųjų nepažįsta, laidotuvėse. Tačiau ši mintis ima atrodyti įtikimesnė, kai jis pradeda kalbėtis su šeima ir įtraukti ją į savo Rytų pakrantės žiniasklaidos ir pramonės komplekso sukurtą „raudonosios“ ir „mėlynosios“ valstijos žmonių sampratą, taip pat dėsto savo teorijas apie laikiną dislokaciją. Jis sako, kad šiuolaikinės technologijos leidžia kiekvienam žmogui egzistuoti bet kurią akimirką, išskyrus dabartį, jei jis to nori. Mums sakoma, kad keršto troškimas yra išimtinai į praeitį nukreiptas potraukis.
Nežinome, kaip iš tikrųjų paaiškinti šį filmą neatskleidžiant jo esmės, bet užtenka pasakyti, kad tai ne tai, ką galvojate. Jame parodoma, kaip šiuolaikinė socialinių tinklų visuomenė greitai vertina ir parodoma, koks neteisingas ar paviršutiniškas gali būti toks vertinimas. Nors kiekvienas filmo veikėjas turi skirtingas akimirkas, visi aktoriai yra labai, labai geri, laiku atlikdami savo įžvalgias ir kartais komiškas replikas. Šiame filme daug turinio, todėl jei ieškote nedidelio išsiblaškymo ar atsipalaidavimo, tai ne tas filmas. Jei norite solidžios vaidybos ir tvirtų personažų, „Kerštą“ verta pamatyti.
6. „Bruklino našlaičiai“ (Motherless Brooklyn, 2019)
Antrasis aktoriaus Edwardo Nortono režisuotas filmas „Bruklino našlaičiai“ yra visiškai kitokios stilistikos kūrinys nei pirmasis. Ir tai suprantama, juk šį kartą autorius stengiasi pasigalynėti su didžiules tradicijas Amerikoje turinčiu gangsteriniu kinu. Kai kurie režisieriai, debiutuodami kaip režisieriai, pasinaudoja proga parodyti kitą savo asmenybės pusę. Tai graži duoklė noir žanrui, nesigėdijančiam klasikinės muzikos įtakos. Nors originalus to paties pavadinimo romanas nebuvo periodinis kūrinys, režisierius Edwardas Nortonas pasirinko 1950-uosius metus. Dėl šio sprendimo filmo komentaras apie korumpuotą Niujorko infrastruktūrą tapo dar gilesnis. Nortonas filmu siekia parodyti, kaip socialinė diskriminacija ir rasizmas visada bus susipynę su Didžiuoju obuoliu, nepaisant jo gyventojų įvairovės.
Jonathano Lethemo romaną, pagal kurį sukurti „Bruklino našlaičiai“ Edwardas Nortonas perskaitė beveik prieš du dešimtmečius ir jau tada pajuto norą jį ekranizuoti. Vėliau rašydamas scenarijų nusprendė perkelti veiksmo laiką iš 1990-ųjų vidurio į šeštąjį dešimtmetį – arčiau klasikinio gangsterizmo epochos.
Jau pirmoje scenoje pagrindinis herojus Lajonelis Esrogas (jį suvaidino pats Edwardas Nortonas) megztinio rankovėje aptinka laisvą siūlą, bando jį nutraukti ir … įsitraukia į šį procesą. Ko gera, tai labai tiksli kriminalinių intrigų metafora – juk panašiai, įsitvėrę kokio nors įkalčio detektyvai ilgai ir kantriai vynioja tyrimo kamuolį, kol siūlas atveda prie norimo rezultato.
Bet šioje scenoje režisierius ir kartu pagrindinio vaidmens atlikėjas labai taikliai charakterizuoja savo herojų: Lajonelis serga Tureto sindromu – tai liga, paverčianti žmogų nervų kamuoliu. Ši liga (medikai ją vadina paveldimu neuropsichiatriniu sutrikimu), anot Vikipedijos, „prasideda vaikystėje ir pasižymi daugialypiais fiziniais (motoriniais) tikais ir bent vienu balsiniu (foniniu) tiku. Šie tikai atsiranda ir išnyksta, net gali būti laikinai numalšinti.“
Balsiniai tikai ypač pastebimi Lajonelio kalbėjimo manieroje – neretai jo impulsyviai beriama greitakalbė panaši į beprasmiškų žodžių srautą. Tačiau jame yra sava logika, leidžianti vyrui gerai įsiminti kitų žmonių pokalbius, svarbias detales ir, svarbiausia, nesiblaškyti tada, kai reikia maksimaliai sukoncentruoti dėmesį.
Paradoksalu, bet specifinė liga ir jos aiškiai išreikšti simptomai daro Lajonelį idealiu detektyvu. Jis ir yra detektyvas, dirbantis Frenko Minos (Bruce‘as Willisas) vadovaujamame profesionalių seklių biure.
Prieš daugelį metų Frenkas priglaudė keturis Bruklino gatvių bastūnus, kurie užaugę tapo savo globėjo pagalbininkais. O našlaičiui Lajoneliui Frenkas buvo tikras tėvas.
Kai Frenkas nužudomas, būtent Lajonelis imasi šios bylos, ir filmo autoriai žiūrovus panardina į tirštą niūraus miesto atmosferą, stilistiškai labai primenančią Samo Mendeso kriminalinį retro nuarą „Kelias i pražūti“ (Road to Perdition, 2002). Už tai šiltų katučių tikrai nusipelnė operatorius Dickas Pope‘as. O netikėtų siužeto posūkių ir šokiruojančių atradimų gausa „Bruklino našlaičiai“ panašūs į Romano Polanskio „Kinų kvartalą“ (Chinatown, 1974) ar „Los Andželas slaptai“ (L.A. Confidential, 1997, rež. Curtis Hansonas).
Paslapčių „Bruklino našlaičiuose“ bus su kaupu. Dauguma jų sumaniai slepiami po spartaus Niujorko atnaujinimo ir skurdžiausių Harlemo rajonų renovacijos šydu. Vienas centrinių šio atsinaujinimo „architektas“ yra Napoleono komplekso apsėstas įtakingas miesto administracijos veikėjas Mouzesas Rendolfas, vardan didingo tikslo nesiskaitantis su priemonėmis. Jį ryškiai suvaidino Alecas Baldwinas, savo vaidyboje pasinaudojęs keliomis spalvomis iš savo arsenalo, kurį pastaraisiais metais neretai nukreipia į kur kas aktualesnį ir aukštesnio rango dabartinį JAV politiką (vienas įsimintiniausių filmo epizodų – emocingas Rendolfo monologas apie valdžios galią).
Įsimenamus personažus suvaidino ir kiti aktoriai: Gugu Mbatha-Raw – Rasinės diskriminacijos komiteto darbuotoją Laurą Rouz, Willemas Dafoe – daug ne tik savo profesijos paslapčių žinantį architektą Polą, Michaelas Kennethas Williamsas – džiazo orkestro virtuozą trimitininką, ekstremaliais momentais mokantį savo muzikinį instrumentą panaudoti visai ne pagal jo paskirtį.
Sunku kažką naujo pasakyti seniai klasika tapusiame JAV gangsteriniame kine. Bet režisieriui Edwardui Nortonui ir aktoriui Edwardui Nortonui, regis, tai pavyko padaryti. (Gediminas Jankauskas)
5. „Bredo gyvenimas“ (Brad’s Status, 2017)
„Bredo gyvenimas“ gali būti pats stilingiausias filmas su Benu Stilleriu. Mike’as White’as yra toks žymus režisierius, kad lengva pamiršti, jog kadaise jis vaidino Nedą filme „School of Rock“. Nors White’as pelnė nemažai dėmesio už puikų HBO serialą „Baltasis lotosas“, jis taip pat sukūrė nepakankamai įvertintą koledžo komediją „Bredo gyvenimas“ (2017 m.).
Filme nagrinėjama, kaip „brendimas“ gali būti panašus į vidutinę amžiaus krizę. Abi patirtys grindžiamos nežinojimu, kas laukia ateityje, ir baime ją pasitikti. Tai tikrai emocijų reikalaujantis filmas. Scenaristas ir režisierius atpažįsta Beno Stillerio įgimtą prieštaravimą ir sutaiko jį kandžioje satyroje, suteikdamas Stilleriui sultingą vaidmenį, kuris yra aštriai juokingas ir stebėtinai aštrus.
Nepaisant specifinio Stillerio vaidinamo personažo charakterio, filmas yra universalus, nes jame nagrinėjamos nepatogios tiesos: žmogaus polinkis vertinti savo gyvenimą, ypač vidutiniame amžiuje, ir lyginti jį tiek su draugų pasiekimais, tiek su jaunatviškomis ateities vizijomis.
Bredas (ak.t Stilleris) nėra labai patenkintas savo gyvenimu pastarosiomis dienomis, kai su paaugliu sūnumi Trojumi (akt. Austinas Abramsas) vyksta į Naująją Angliją aplankyti koledžų. Jis gyvena patogų gyvenimą Sakramente su mylinčia žmona Melanija (akt. Jenna Fischer) ir dirba ne pelno siekiančioje organizacijoje, kuri yra jo viso gyvenimo idealizmo tęsinys. Trojus, muzikos vunderkindas, yra mąstantis, talentingas vaikas su akivaizdžiai šviesia ateitimi – teisėtas pretendentas į tokius elitinius universitetus kaip Harvardas, Jeilis ir Tuftsas. Tačiau nė vienas iš jų nėra pakankamai geras. Užuot didžiavęsis ir džiaugęsis savo sūnumi, Bradas pasinaudoja proga, kad apsėstas savo koledžo draugų, kuriems, jo vertinimu, visiems sekasi kur kas geriau nei jam, sėkmės.
Bilis (akt. Jemaine Clement), pardavęs savo technologijų įmonę ir išėjęs į pensiją sulaukęs 40 metų, gyvena hedonistinį gyvenimą Havajuose. Džeisonas (akt. Lukas Vilsonas) – su pinigais susituokęs apsidraudimo fondų valdytojas. Nikas (pats režisierius White’as) mėgaujasi prabanga kaip Holivudo režisierius. Tačiau Bredą tiesiog „nužudo“ Kreigas (akt. Michael Sheen), įtakingas autorius ir politikos apžvalgininkas, dėstantis Harvarde – ir kuriam, kaip paaiškėja, reikia paslaugos, dėl kurios ir įvyksta puikiausiai suvaidinta filmo scena. Veiksmingai ir labai detaliai White’as išdėsto, kas yra šie vaikinai, taip pat kuo jie iš tiesų tapo, palyginti su išpūstais Bredo įsivaizdavimais apie juos.
Ir mes žinome, ką Bredas visą laiką jaučia apie visus aplinkinius, nes jis mums tai pasakoja už kadro. Iš pradžių ši priemonė atrodo pribloškianti – netgi kaip pasakojimo priemonė. Tačiau ilgainiui tampa aišku, kad ji skirta išryškinti atotrūkį tarp Bredo suvokimo ir tikrovės, tarp jo nesaugumo jausmo ir jo neurotiškos to nesaugumo analizės. Bredas taip pat viduje kovoja su savo jausmais dėl sūnaus ateities, kurie pasireiškia tokiais nepastoviais būdais, kad Trojus pagrįstai klausia, ar jam neatsiranda nervinis sutrikimas. Jis pakaitomis mėgaujasi laukiama, atsispindinčia sūnaus potencialo šlove ir išgyvena dėl galimybės, kad bus per daug apimtas pavydo, kad galėtų juo didžiuotis. Panašiai kaip ir ankstesniuose savo scenarijuose White’as vaizduoja tamsiąją žmogaus prigimties pusę su nejaukiu humoru ir drąsiu sąžiningumu.
4. „Thunder Road“ (2018)
Pareigūnas Džimas Arnaudas yra geras žmogus. Jis kovoja su santykiais ir pykčio problemomis, tačiau stengiasi elgtis teisingai su tais, kurie jam rūpi, ypač su savo dukra Crystal. Jis susiduria su sielvartu – neseniai neteko mamos, o tai gali išties sukrėsti žmogų, pakeisti jo požiūrį į aplinkinį pasaulį ir elgesį su juo. Džimas kartais sumenkina savo intelektą – jis iš tų, kurie savo trūkumus bando paversti juokais, kad nereikėtų jų gėdytis, – ir jis iš tikrųjų neturi nei intelektinių, nei emocinių įrankių, kad galėtų susidoroti su šiuo savo gyvenimo skyriumi, kai neteko mamos ir gali netekti dukters. Jis ne kartą pratrūksta ašaromis ir tęsia bergždžius, kiek bauginančius monologus. Jis – žavus kino kūrinys ir didelio talento Jimo Cummingso, „SXSW“ didžiojo žiuri nugalėtojo „Thunder Road“ žvaigždės, scenarijaus autoriaus ir režisieriaus, proanūkis.
Cummingso pilnametražis debiutas yra jo apdovanojimą pelniusio to paties pavadinimo trumpametražio filmo tęsinys, kuris prasideda šiek tiek pakeista to trumpametražio filmo versija. Nepertraukiamu kadru stebime Džimą, kuris per mamos laidotuves sako nuoširdžią, nerišlią, nesutelktą kalbą. Originalas baigėsi interpretuojamu šokiu pagal Bruce’o Springsteeno klasikinę dainą, nuo kurios ir kilo filmo pavadinimas. Laidotuvėse dalyvauja Džimo dukra Cristal (akt. Kendal Farr) ir jo buvusi žmona Rozalinda (akt. Jocelyn DeBoer), o Cummingsas puikiai perteikia tą rūpesčio ir gailesčio pusiausvyrą, kai stebi, kaip kažkas viešai palūžta. Džimas patirs ne vieną tokią emociją.
Toliau kuriamas filmas atspindi Cummingso, kaip trumpametražių filmų režisieriaus, patirtį, nes yra labai epizodiškas, turbūt turintis keletą originalaus „Thunder Road“ variacijų, nes Džimas praranda šaltakraujiškumą svarbiausiais momentais, įskaitant teismo salę ir policijos departamento automobilių stovėjimo aikštelę. Tačiau šias akimirkas vienija laisva, maloni, simpatiška energija, o Cummingso kaip režisieriaus darbas jungiamajame audinyje, ko gero, dar geresnis, pavyzdžiui, puiki vėlyvoji scena, kai draugas ištraukia jį iš vienos giliausių duobių.
Šis filmas – tai svarbūs momentai, kurie ateina visiškai netikėtai ir pačiu netinkamiausiu metu ir paverčia mus emocine maišalynėle. Kai Cummingsas randa tinkamą dramaturginės licencijos ir įtikinamo charakterio pusiausvyrą, „Thunder Road“ žiūrėjimas džiugina.
3. „Triušio urvas“ (Rabbit Hole, 2010)
Ši puiki psichologinė drama, sukurta pagal prestižine Pulitzerio premiją apdovanoto amerikiečių dramaturgo Davido Lindsay-Abaire‘o pjesę. „Triušio urvas“, nepainiotinas su pripažintu Keiferio Sutherlando to paties pavadinimo paslapčių serialu, buvo nepakankamai įvertintas puikaus charakterinio aktoriaus Johno Carrollo Lyncho režisūrinis darbas.
Pagrindinius filmo herojus – Beką (ją ir vaidina N. Kidman) bei Hovardą (Aaronas Eckhartas) Norbertus – aptinkame tuo metu, kai abu sutuoktiniai negali atsigauti po jų šeimą užgriuvusios nelaimės. Prieš aštuonerius mėnesius tragiškai žuvo jųdviejų vienintelis sūnelis, ir šis įvykis perskyrė laimingos poros gyvenimą į du periodus – „iki“ ir „po“ . Iki tragedijos viskas buvo gerai – šeima gyveno priemiestyje, namuose vyravo sutarimas ir harmonija, o po nelaimingo atsitikimo viskas pasikeitė. Dabar Beka ir Hovardas kiekvienas savaip stengiasi susidoroti su staiga prasivėrusia dvasine tuštuma. Jis vis dažniau užsibūna su draugais ir daug sportuoja, ji atsitvėrė nuo išorinio pasaulio savo namų „tvirtovės“ sienomis ir vengia kontaktų net su artimiausiais kaimynais. Abu kartu lanko psichologinės pagalbos kursus, bet, panašu, kad netiki (bent jau Beka) tokios grupinės psichoterapijos nauda.
Amerikietiškose psichologinėse dramose dažnai regime scenas psichoanalitikų kabinetuose, kuriuose ant kušetės gulinčiam pacientui patyręs „sielų inžinierius“ aiškina jį kamuojančius kompleksus, pasitelkęs chrestomatines S. Freudo formuluotes.
Kas kita – psichologinės pagalbos kursai, kuriuose savo sielos skaudulius reikia atverti ne Dievui ar medikui, bet tokiems pat nelaimėliams. Kai kam tokia praktika tampa saugia užuovėja nuo pasaulio negandų, kuomet kito nelaimė padeda lengviau apsiprasti su savąja. Tačiau Bekos netenkina kitus paprastai paguodžiantys teiginiai („Dievas pasiima geriausius“, „Dabar jie angelai danguje“).
Išoriškai N. Kidman vaidinama Beka atrodo visai rami. Bet akivaizdu, kad ši ramybė moteriai kainuoja labai daug. Aišku, kad kiekvieną savo būties akimirką jį galvoja tik apie savo prarastą vaiką. Anksčiau ar vėliau ši įtampa turi garsiai sprogti, ir apie tokias pasekmes baisu net galvoti.
Antroje filmo dalyje „Triušio urvas“ savotiškai susisiekia su matytu mistiniu trileriu „Numylėtieji kaulai“. Tik Peterio Jacksono filme brangiais kompiuteriniais efektais „dekoruota“ paralelinė mirusiųjų visata dvelkė nusaldinta pasakiška idile, o jauno aktoriaus ir režisieriaus Johno Carrollo Lyncho „Triušio urvas“, nesigriebdamas madingų triukų, neverčia žiūrovo blaškytis, bet neįkyriai ragina jį kartu pamąstyti apie tai, kur ir kaip galėtų apsigyventi žemiškąjį pasaulį ne savo valia palikę nekalti vaikeliai. (Gediminas Jankauskas)
2. „Mišios“ (Mass, 2021)
Pastaruoju metu, deja, dažnai girdėjome širdį veriančias istorijas apie moksleivių ir mokytojų žudynes mokyklose bei universitetuose (ypač dažnai tai vyksta Amerikoje).
Šia tema yra sukurta nemažai puikų filmų – ir dokumentinių („Boulingas Kolombinai“, 2002 m., už kurį Oskarą atsiimantis režisierius Michaelas Moore‘as kelis kartus šūktelėjo: „Man dėl jūsų gėda, pone Bušai!”), ir vaidybinių (pvz. Guso van Santo „Dramblys“, 2003 m.).
2021 metais sukurtos „Mišios“ (tai pirmasis jauno režisieriaus Frano Kranzo darbas) papildo šią galeriją. Ne kiekvienas režisūrinis debiutas būtinai yra „ryškus“. Frano Kranzo 2021 m. filme „Mišios“ jaučiamasi beveik kaip teatro spektaklyje, nes veiksmas vyksta tokioje izoliuotoje aplinkoje, kurioje veikia tik keturi personažai. Filme aprašoma po šaudymo mokykloje vykstanti diskusija tarp šaulio tėvų (Ann Dowd ir Reed Birney) ir vienos iš aukų tėvų (Jason Isaacs ir Martha Plimpton).Šiame filme prieš keletą metų šaudynes mokykloje sukėlusio paauglio tėvai Linda ir Ričardas (Ann Dowd ir Reedas Birney), norėdami dalinai išpirkti savo kaltę pasiūlo vieno tada žuvusio berniuko tėvams Geilei ir Džėjui (Martha Plimpton ir Jasonas Isaacsas) susitikti ir išsikalbėti.
Linda ir Ričardas patys iki galo nesuprato tikrųjų savo sūnaus poelgio priežasčių. Jie, kaip ir visi tėvai, mylėjo savo vaiką ir linkėjo jam tik gero. Net darė, kaip jiems atrodo, viską, kad panaši tragedija aplenktų jų namus. Bet realybė negailestinga: jų sūnus jautėsi vienišas, buvo pernelyg apimtas depresyvių nuotaikų ir minčių apie savižudybę, dažnai praleidinėjo psichologinės terapijos seansus, žinoma, daug laiko praleisdavo prie kompiuterio, žaisdamas smurto kupinas „šaudykles“. Galiausiai paėmė iš draugo ginklą ir visą savyje susikaupusią agresiją išliejo surengęs mokykloje kruviną „sesiją“.
Dviejų šeimų susitikimas įvyksta bažnyčios salėje. Bet nei sakralinė aplinka, nei šiai progai suruoštos vaišės ir net planuotos choro giesmės (!) nesugeba nesudrumsti bažnytinės rimties, o kviestiems svečiams išlikti padoraus bendravimo rėmuose. Pernelyg ilgai viduje tramdytos emocijos labai greitai išsiveržia kaip lava iš dar neužgesusio vulkano.
Režisierius šį kartą apsieina be tokiais atvejais būdingų pasvarstymų apie agresijos priežastis šiuolaikinėje visuomenėje, neragina drausti ginklų prekybos, netgi nesamprotauja apie moralinį žmonių ir civilizacijos krachą. Filmo autorių tikslai kuklesni: jie leidžia išsikalbėti (dažnai net išrėkti savo skausmą) svarbiausiems filmo herojams, kad jie galėtų bent trumpam išsivaduoti iš praeityje patirto košmaro. (Gediminas Jankauskas)
1. „Laukinis gyvenimas“ (Wildlife, 2018)
2018 metais Toronte buvo daug triukšmo dėl daugybės garsių aktorių režisuojamų projektų, įskaitant Bradley Cooperio „Taip gimė žvaigždė“ ir Jonah Hillo „90-ieji“ debiutus, tačiau nuo pat premjeros „Sundance“ festivalyje Paulas Dano sulaukė gerų atsiliepimų. Tai išbaigtas, jaudinantis kino kūrinys, kuriam rūpi jo herojai ir kuris pasitiki savo atlikėjais. Tai gana senas draminių istorijų pasakojimo būdas, tačiau emociškai susisieja dėl švelnaus, pasitikinčio Dano darbo ir to, ką jis sugeba išgauti iš dviejų geriausių savo kartos atlikėjų.
Filme, Brinsonai atrodo kaip eilinė amerikiečių šeima. Džeris (akt. Jake Gyllenhaal) dirba vietiniame golfo aikštyne, o Džeinė (akt. Carey Mulligan) augina 14-metį sūnų Džo (akt. Ed Oxenbould). Džo žaidžia futbolą, bet dažniausiai tik tam, kad tėtis būtų laimingas, o Džeinė prižiūri jų naująjį namą Montanoje. Tai 1960 m., pasaulis keičiasi, ypač laimės, šeimos ir lyčių vaidmenų namų ūkyje apibrėžimai. Kai Džeris netenka darbo, Džeinė gauna darbą „YMCA“, o ponas Brinsonas ima tolti. Nujaučiame, kad tai jau buvo nutikę anksčiau, kad Džeris Brinsonas yra iš tų vyrų, kurie gyvenimo pagreičio kliūčių nepriima sklandžiai. Jie ką tik persikėlė čia po neapibrėžtų problemų kitur, o dabar jų gyvenimas vėl patiria sukrėtimus. Ir tada Džeris nusprendžia vykti gesinti miškų gaisrų pakankamai toli, kad iš esmės paliktų žmoną ir sūnų.
Džo trokšta, kad tėvas grįžtų, ypač kai pradeda pastebėti motinos pokyčius. Ji kitaip rengiasi ir elgiasi, o netrukus ant Brinsono sofos atsiduria ir kitas vyras (Billas Campas), kuris gali jiems pasiūlyti tai, ko jie nebeturi – stabilumą ir draugiją. Ar galite kaltinti Džeinę, kad ji to trokšta? Puikus aspektas, kad Dano adaptuoja Ričardo Fordo 1990 m. romaną, parašytą kartu su Zoe Kazan, ir visiškai vengia kaltinti. Džeinė nėra tipiška piktadarė. „Laukinis gyvenimas“ leidžia savo personažams būti sudėtingiems, klystantiems. Tiesą sakant, filmas iš dalies yra apie tą akimirką, kai suprantame, kad mūsų tėvai gali būti savanaudžiai – kartais reikia tokiais būti, kad išgyventum. Tačiau iš Dano, Kazano, Gyllenhaalo ar Mulligan niekada nesijaučia nuosprendžio – jie pripažįsta, kad net ir klaidose, kurias darome gyvenime, yra grožio. Tai daro mus žmonėmis.
Laikydamasis šios temos, Dano taip pat suteikia savo personažams erdvės kvėpuoti. Labiau nei daugumoje kitų filmų, Dano aktoriai vaidina tylos akimirkomis. Norime pasakyti, kad mūsų kino kultūra, ypač Amerikoje, yra tokia priklausoma nuo dialogų ir judesio, bet čia pribloškia tai, kiek kartų žmonės klausosi, susimąsto, suvokia – visus tuos tylius, neakivaizdžius dalykus, kuriuos tikri žmonės nuolat daro. Dano žino, kad turi labai talentingą aktorių, todėl daro tai, ką daro daugelis aktoriais tapusių režisierių, – leidžia žiūrovams įsitraukti vien dėl jų personažų įtikinamumo.
